Blog do Queiroz Costa - Escritório de Arte

Onde Andará Petrucio Felker? - A arte contemporânea desvendada...

2009-12-01T10:28:00.000-08:00

Onde Andará Petrucio Felker?
Uma sensacional animação de Allan Sieber com as vozes de Paulo Cesar Pereio, Paulo Bett e, Regina Casé.

Para quem não entende bulhufas de arte contemporânea... Simplesmente hilário...

Um tributo a arte de William Bouguereau

2009-11-11T19:41:00.000-08:00

Tributo a um gênio, esquecido por muito tempo, chamado William Bouguereau...

Mona Lisa no MS Paint - Incrivel!!!

2009-11-11T18:12:00.000-08:00

Claude Monet & Ludwig van Beethoven

2009-11-09T18:14:00.000-08:00

O impressionismo de Claude Monet

2009-11-09T18:11:00.000-08:00

Vincent Van Gogh Starry Night

2009-11-09T18:06:00.001-08:00

Andy Warhol Art

2009-11-09T18:01:00.000-08:00

O Queiroz Costa Escritório de Arte na sua TV...

2009-09-29T17:43:00.000-07:00

Masp exibe restauração de quadro do francês Poussin

2009-09-25T09:27:00.000-07:00

Trabalho de restauração da tela, pintada entre 1634 e 1638, foi realizado com equipes dos dois países

AE - Agencia Estado

SÃO PAULO - O Museu de Arte de São Paulo (Masp) inaugura mostra que apresenta o quadro Hymeneus Travestido Assistindo a uma Dança em Honra a Príapo, pintado entre 1634 e 1638 pelo francês Nicolas Poussin (1594-1665) e que passou por vasto processo de restauração ao longo deste ano. A obra volta agora a integrar o segmento A Arte do Mito da exposição com peças da coleção do museu, sem data para terminar. Ao lado dela estão imagens e vídeos que contam sobre a restauração - depois será lançado catálogo e documentário sobre o trabalho, que consumiu 200 mil.

Hymeneus Travestido Assistindo a uma Dança em Honra a Príapo foi pintado entre 1634 e 1638 pelo francês Nicolas Poussin (1594-1665). Foto: JB Neto/AE

Desde janeiro, o quadro de Poussin foi totalmente restaurado, ação que contou com equipes dos dois países, mas, principalmente, pelas mãos da restauradora brasileira Regina Costa Pinto Moreira, profissional contratada do Museu do Louvre de Paris. Ela vive na França desde a década de 1970 e já realizou restauros para diversas instituições europeias. Regina ficou em São Paulo durante meses trabalhando sobre as várias camadas de repintes e vernizes que encobriam o quadro, também reentelado por profissionais franceses. "Dois terços da obra estavam repintados", afirmou Regina. A grande surpresa do processo foi a aparição de um falo ereto na figura central do quadro, o deus Príapo, da fecundidade e dos jardins, que sofreu, em séculos anteriores, "repinte de pudor". As informações são do jornal O Estado de S. Paulo.

http://www.estadao.com.br/noticias/arteelazer,masp-exibe-restauracao-de-quadro-do-frances-poussin,431901,0.htm

Explosão de cores - Stênio Burgos

2009-09-24T14:21:00.000-07:00

A exposição "Stênio Burgos - Pinturas" reúne trabalhos realizados durante 10 anos pelo artista. A individual será lançada hoje, no Museu de Arte da UFC

Fortemente influenciado pela pintura holandesa do século XVII, caracterizada pela riqueza de detalhes, precisão e apuro técnico, o artista plástico Stênio Burgos representa, com o máximo de realismo, a perspectiva, as cores vivas dos objetos e a iluminação das paisagens que vivencia.

Criando um diálogo entre a natureza e a arte, Burgos produz uma pintura semelhante à vida, de onde emergem a incandescência do sertão, a explosão de cores dos jardins e a imensidão verde azul do litoral cearense.

Na exposição "Stênio Burgos - Pinturas", a ser inaugurada hoje, às 18h30, no Museu de Arte da Universidade do Ceará (Mauc- UFC), o público pode presenciar um pouco de sua energia cromática.

De acordo com o professor Gilmar de Carvalho, amigo e admirador da obra de Burgos, o artista leva a pintura para outro limiar, ao estar sempre pesquisando cores, composições e texturas.

"Serão mais de 100 trabalhos, distribuídos pelas cinco salas do Mauc. A expressão dele é muito forte, tem muita cor e muita tinta. Suas pinturas são quase como uma catarse", ressalta Gilmar.

O professor argumenta também que as obras de Stênio Burgos se contrapõem ao que chamamos de arte conceitual. "Sua produção é fruto de uma pesquisa de anos, remete à história da arte, não é algo fácil e nem vazio, baseia-se em composições técnicas", enfatiza.

O pintor

Formado em Arquitetura pela Universidade Federal do Ceará (UFC), Stênio Burgos começou a pintar em 1984, quando estava em Barcelona como bolsista do governo espanhol: "naquela época, me matriculei no curso de desenho e pintura no Estudi Chelsea que preparava alunos para o vestibular da Escola de Belas Artes. Permaneci três anos na cidade e pela primeira vez pude dedicar-me ao ofício de pintar, esquecendo que minha obrigação ali era elaborar tese de doutorado em Arquitetura Popular para a Universidade Politécnica da Catalunha", diz o artista.

Após anos de dedicação à pintura, a poética de Burgos reflete seu cotidiano: as pessoas que lhe cercam, as paisagens de suas muitas janelas, objetos pessoais, entre outros aspectos. Atualmente, ele vive e trabalha em Fortaleza, na fazenda Jatobá, em Crateús, e na praia de Icaraí, em Amontada.

Para a filósofa Olga Paiva, na apresentação do catálogo da exposição do artista, Burgos é como um personagem de Quiroga, aventurando-se pela paisagem urbana. "De sua janela, captura, com seu pincel, cenas, instantes (...) Plantando sonhos, colorindo a orla, bebendo a luz na Terra do Sol", conclui ela.

Com simplicidade e sutileza, o artista semeia paisagens em constante processo de mutação, cheirando vida e instigando a suaves pensamentos. Em sua obra, a forma atrela o processo de pintar ao processo de ver. Cada tela sua é preenchida com tantas lembranças quantas são as coisas colocadas diante dele.

Mais informações

Exposição "Stênio Burgos - Pinturas", abertura hoje, às 18h30, no Museu de Arte da UFC. Segue em cartaz até 23 de outubro. Visitação de segunda-feira a sexta-feira, das 8h às 18h.

Avenida da Universidade, 2854, Benfica. Contatos: (85) 3366.7481

ANA CECÍLIA SOARES

REPÓRTER

Diário do Nordeste - 23 de setembro de 2009

http://diariodonordeste.globo.com/materia.asp?codigo=673377

Mercado de arte migra para a internet com galerias virtuais

2009-09-15T14:21:00.000-07:00

Gravura de Di Cavalcanti a venda no Queiroz Costa Escritório de Arte

SILAS MARTÍ

da Folha de S.Paulo

Está mais elástico, e mais cheio de pixels, o cubo branco. Na esteira do crescimento do mercado de arte, que viu galerias brasileiras ganharem peso internacional, galeristas põem obras à venda na internet.

Focados em nichos diferentes de mercado, sites como o Invest.art e a Galeria Magenta estão no ar há cerca de dois meses. Juntos, vendem obras originais de mais de 20 artistas e planejam ampliar esse quadro.

Antecipando a concorrência, galerias tradicionais aumentam a presença no mercado on-line. As paulistanas Casa Triângulo e Nara Roesler, por exemplo, estudam abrir um braço de vendas dentro de mercados virtuais como o Submarino. Outras, como a Virgílio e a carioca Novembro Arte Contemporânea, já estão até no Facebook.

Outro braço do mercado também já está on-line: o site InArts cuida do licenciamento de imagens de obras para publicação em livros e catálogos.

"Recebo e-mails todo dia de gente querendo entrar para a galeria", diz Tato DiLascio, dono do Invest.art, que representa artistas como Anaisa Franco e Marcela Tiboni, com obras de R$ 230 a R$ 60 mil. "A internet é mais uma possibilidade."

No ar, mas ainda longe de "bombar", a Galeria Magenta se concentra na produção de jovens ilustradores, com preços mais modestos, de R$ 9 a R$ 6.000. "Não existia mercado específico para isso", diz Fernanda Guedes, da Magenta.

"Galeria de arte não é o lugar mais acolhedor do mundo, tem toda uma aura de sofisticação em que as pessoas muitas vezes não se sentem bem", diz Guedes. "Criar esse ambiente talvez tire esse ranço do exclusivo. Na internet, o cliente pode olhar, observar sem pressão."

Sem pressão nem precisão. Se ficou mais fácil digitar o número do cartão de crédito e esperar a obra chegar pelo correio, pode ser bem mais difícil analisar um trabalho original pela tela do computador.

"Tem um tipo de obra que o colecionador precisa tatear, vivenciar em pessoa para decidir se vai comprar ou não", opina a galerista Luciana Brito. "Seria bom talvez para algumas obras mais baratas ou múltiplos."

Eduardo Leme, da galeria Leme, também prefere o mundo real. "Não sou simpático à ideia", diz. "Tem uma negociação muito mais ampla do que só chegar e apertar o "enter".

"Também tem a ver com descer do pedestal. Arte não se mistura fácil à oferta de passagens aéreas, DVDs, livros e outros itens recorrentes nos carrinhos de compra virtuais. "A gente tem arte em outro patamar", diz Ricardo Trevisan, da Casa Triângulo. "Você não entra na internet para comprar um refrigerador e uma obra de arte. O virtual é virtual, mas a gente está trabalhando na real."

Real ou virtual pouco importam para a galerista Luisa Strina, uma das primeiras a oferecer obras de seus artistas pelo site norte-americano Artnet. "Fora do Brasil, tem regras: a pessoa paga, a gente manda a obra de arte", conta. "Mas aqui as pessoas têm muito medo que a gente mande uma obra estragada, de a coisa não chegar."

Sobre a visualização on-line, Strina acredita que já é possível ter uma boa noção da qualidade do trabalho pela internet. "Tem obras das quais você não precisa ver detalhes", diz. "Cada vez mais as pessoas vão comprar trabalhos pela internet."

Ainda com certo receio, Eliana Finkelstein, da galeria Vermelho, diz que já chegou a vender obras a colecionadores que viram o trabalho pela internet, mas que já conheciam o artista em questão. De virtual, por enquanto, quer vender só os livros e múltiplos do anexo Tijuana.

No mundo só da internet, Fernanda Guedes, da Magenta, admite que "nada substitui ver a coisa ao vivo", mas adianta que é possível observar, pelo site, detalhes ampliados das ilustrações. Tato DiLascio, do Invest.art, diz que comprar on-line leva sempre a uma "surpresa bacana". "Quando chega à sua casa, vê que saiu ganhando."

http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u622421.shtml

Acervo do Banco Central tem tesouro em obras de arte

2009-09-15T14:06:00.000-07:00

'Garimpeiros', de Tarsila do Amaral, é uma das obras do acervo

RIO - A crise do petróleo e as sucessivas turbulências por que passou a economia brasileira na década de 70 permitiram ao Banco Central (BC) montar um acervo invejável de obras de arte durante aqueles anos. O tesouro é guardado a sete chaves sob a vigilância constante de câmeras e homens fortemente armados no sexto subsolo da instituição, como mostra reportagem de Vivian Oswald na edição deste domingo do GLOBO.

Quase 99% das obras da reserva técnica do BC vêm da liquidação dos bancos Halles de Investimentos e do Áurea (que recebeu as obras da Galeria de Artes Collectio, que foi à falência em 1974). Isso só foi possível porque a legislação bancária criada à época, para sanear o sistema financeiro nacional e ajudar no combate às turbulências econômicas do período, permitiu ao BC tomar os acervos das instituições como garantia dos empréstimos que concedia.

Nas crises internacionais da década de 90 (México, Ásia e Rússia) e nesta que acaba de completar um ano e terá sido a mais grave desde a Depressão de 1929, não foi possível engordar o acervo do banco como os responsáveis pela área gostariam.

Segundo Ricardo Orsini, diretor do Museu de Valores do Banco Central, o sistema judiciário mudou e todas as decisões levam tempo para serem implementadas, sem falar na enorme quantidade de recursos que cabem durante os longos processos judiciais. Com isso, se o BC quiser levar alguma coisa do Banco Santos, por exemplo, terá de esperar um bocado.

Nem sempre o tesouro do BC está ao alcance do grande público, embora todas as obras estejam catalogadas e disponíveis pela internet no site da instituição. Mas a ideia é tentar mantê-las em exposição o máximo de tempo possível, considerando-se as restrições de manutenção.

O BC acaba de inaugurar uma exposição inédita no seu museu com 15 painéis de Candido Portinari. Esta é a primeira vez que são reunidos.

http://oglobo.globo.com/economia/mat/2009/09/12/acervo-do-banco-central-tem-tesouro-em-obras-de-arte-767586156.asp

Mona Lisa ganha vida em exposição high-tech

2009-09-09T13:44:00.000-07:00

Visitante observa versão holográfica do quadro de Leonardo da Vinci: exposição também inclui

uma peça multimídia com réplicas em tamanho natura

de estátuas antigas de deuses e deusas gregos e romanos.

PEQUIM - Com seu sorriso enigmático, a "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci inspira admiração há séculos. Agora, ela está preparada para responder às perguntas dos curiosos, em mandarim.Uma versão digital e interativa da renomada tela do século 16 é uma das 61 réplicas high-tech que infundem vida a obras de arte da antiguidade e da era clássica na "Exposição Mundial de Arte Clássica Interativa," aberta em Pequim no final de agosto.

São recriações de obras de grandes mestres da pintura e pintores modernos renomados, criadas por uma galeria de arte sul-coreana. O organizador da mostra, Wang Hui, comentou que foram precisos dois anos de preparativos, além de um investimento generoso, para levar as obras à China."O que é especial nesse trabalho é que é a primeira vez em que tecnologia 3D, tecnologia holográfica e tecnologia de reconhecimento de voz são mescladas em uma só exposição," disse Wang à Reuters.

Como a pintura original de Da Vinci, que está no Louvre, em Paris, a Mona Lisa digital é a atração principal da mostra. Ela acena para os visitantes e conversa com eles, que lhe fazem perguntas sobre sua idade e sua vida.

"Oi, sou a Mona Lisa. É um prazer conhecê-lo," diz a pintura em mandarim. "A Última Ceia" é outra tela de Da Vinci que ganha vida digital. Nela, Jesus conversa com os apóstolos e se move pela tela de plasma.

A exposição também inclui uma peça multimídia com réplicas em tamanho natural de estátuas antigas de deuses e deusas gregos e romanos, que se gabam de suas virtudes e beleza e fazem poses.

"Estudei belas-artes na faculdade. Nos estúdios, as obras estão paradas, mas aqui elas estão vivas e se movem. É surpreendente" comentou um visitante, Zhao Yuanzhi.

Ao mesmo tempo em que procura mostrar a arte através de um novo prismas, a exposição tenta responder a uma das perguntas mais perenes do mundo: o que há por trás do sorriso da Mona Lisa. Quando a pergunta lhe é feita, o retrato digital é programado a falar sobre como Mona Lisa engravidou após a morte de um filho, tecendo comentários sobre as dores e as alegrias de sua vida.

Ela também reconhece que muitas pessoas acham seu sorriso misterioso.

Fonte: UNITED PHOTO PRESS

Para refletir...

2009-08-29T09:34:00.000-07:00

Apenas 13% dos brasileiros freqüentam cinema pelo menos uma vez por ano
92% nunca entraram num museu
93,4% jamais frequentaram uma exposição de arte
78% nunca assistiram a um espetáculo de dança, embora 28,8% saiam para dançar regularmente
90% dos municípios brasileiros não possuem pelo menos um desses equipamentos: salas de cinema, teatro, museu ou espaços culturais multiuso
600 municípios brasileiros não possuem qualquer tipo de biblioteca (405 deles ficam no Nordeste e apenas 2 no Sudeste)
1,8 livro per capita/ano é a média de leitura do brasileiro (contra 2,4 na Colômbia e 7 na França)
25 reais é o preço médio do livro de leitura corrente no país
56,7% da população ocupada na área de cultura não têm carteira assinada

Fonte: IBGE

Curso de Gravura

2009-08-28T19:32:00.000-07:00

Inscrições presenciais no Atelier de Arte do Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura ou pelo site do Projeto Gravura.

Informações:

www.projetogravura.org.br

imprensa@projetogravura.org.br

inscricoes@projetogravura.org.br

(85) 8706 5894 / (85) 3488 8600

Coordenação Geral: Eduardo Eloy - eduardo@projetogravura.org.br

Coordenação Pedagógica: Marcelo Monteiro - marcelo@projetogravura.org.br
Rua Dragão do Mar, 81 - Praia de Iracema - Fortaleza - Ceará - Brasil

Unifor Plástica

2009-08-28T11:35:00.000-07:00

Catavento de libélulas de
Antônio Jader Pereira dos Santos (DIM)

Rumo à Bienal de Veneza
Unifor plástica: em sua décima quinta edição, evento tem como propósito acolher produções significativas das artes plásticas e visuais, com assuntos livres, nas categorias de pintura, desenho, gravura, fotografia e esculturaA Unifor Plástica divulgou a relação dos artistas e obras selecionados para compor sua 15ª edição, que será realizada de 15 de setembro a 13 de dezembro
Um dos principais salões de artes do Nordeste, a Unifor Plástica divulgou a lista dos artistas que irão participar da edição desse ano. Dos cerca de 320 trabalhos inscritos, foram selecionadas 148 obras, distribuídas nas seguintes categorias: 18 desenhos, 26 fotografias, 20 gravuras, 62 pinturas e 22 esculturas. Mais informações sobre os artistas e as produções selecionadas podem ser encontradas e acessadas no site da Universidade de Fortaleza (www.unifor.br).
Dos trabalhos contemplados serão escolhidos um participante de cada categoria pela comissão de premiação. O prêmio é uma passagem aérea para a Bienal de Veneza, um dos eventos mais importantes do campo das artes plásticas, além de uma ajuda de custo, no valor de R$ 3 mil reais.
O resultado dos primeiros colocados em cada categoria só será divulgado no dia 15 de setembro, durante a abertura da exposição, que ocorrerá no Espaço Cultural da Universidade de Fortaleza (Unifor).
A exposição, que ficará em cartaz até13 de dezembro, tem como uma de suas finalidades acolher trabalhos representativos das artes plásticas e visuais, com temáticas livres, nos campos da pintura, desenho, escultura, gravura e fotografia.
Segundo Max Perlingeiro, em entrevista concedida ao Caderno 3 durante o período de divulgação das inscrições para o salão, pelo ponto de vista da História da Arte, até o século XIX, o que impulsionava a produção artística era a participação das obras nos chamados salões das artes.
Com a passagem dos anos, na ausência desses eventos oficiais, as inúmeras instituições desenvolveram várias iniciativas para fomentar e difundir as artes no Brasil.
"A Unifor Plástica, da Fundação Edson Queiroz, é um exemplo disso. Hoje, ela é tida como uma das atividades de estímulo às artes mais importantes do País, responsável, inclusive, pelo reconhecimento e a introdução de diversos artistas brasileiros, principalmente do Ceará, no mercado nacional das artes", ressalta Perlingeiro.
Novidades
Buscando sempre estar atualizada às questões e tendências que surgem no mundo das artes, a Unifor Plástica 2009 oferece ao público uma programação paralela bem diversificada.
Uma das atividades previstas é o Seminário "Quem tem Medo da Arte Contemporânea?". A programação será ministrada pelo artista e crítico de arte carioca Fernando Cocchiarale, em um curso de dois dias.
Resultado de quatro aulas realizadas pelo crítico em julho de 2003, na Fundação Joaquim Nabuco (Fundaj), em Recife, o seminário apresentará um tom coloquial e um didatismo aberto às pessoas das mais diferentes formações, com graus de conhecimentos diversos sobre a produção contemporânea.
Além disso, pretende servir como uma breve introdução às questões mais candentes e polêmicas que giram em torno da arte atual.
Contudo, o seminário, que será realizado durante a XV Unifor Plástica, apresentará uma série de atualizações referentes às já abordadas na ocasião anterior. Uma vez que o artista contemporâneo está sempre nos surpreendendo e nos convocando para um jogo onde as regras não são lineares, mas desdobradas em redes de relações possíveis ou não de serem estabelecidas. Tendo a subjetividade exposta ao "agora".
Outra novidade anunciada é a implantação, pela primeira vez, de uma sala especial cujo objetivo é ampliar o conhecimento dos visitantes sobre a Arte Moderna no Brasil.
"A sala possui um total de aproximadamente 60 trabalhos de grandes artistas brasileiros, que compõem o acervo particular da Universidade de Fortaleza, que agora será aberto ao público. São eles: Lasar Segall, Anita Malfatti, Adriana Varejão, Almicar de Castro, Di Cavalcanti, Leonilson, Beatriz Milhazes, entre outros", destacou Max Perlingeiro.
Histórico
Na edição anterior, ocorrida em 2007, a mostra, que tem caráter bienal, reuniu um total de 184 trabalhos de 112 artistas, oriundos de estados como Ceará, São Paulo, Minas Gerais, Paraná e Rio de Janeiro. As produções tinham grande riqueza plástica e estética, que também se faz presente na edição atual.

Veja a relação completa dos artistas selecionados em: http://www.unifor.br/notitia/file/3245.pdf

http://diariodonordeste.globo.com/materia.asp?Codigo=664797

Mona Lisa ganha vida em exposição de arte high-tech

2009-08-28T11:29:00.000-07:00

PEQUIM (Reuters Life!) - Com seu sorriso enigmático, a "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci inspira admiração e especulação há séculos. Agora ela está preparada para responder às perguntas dos curiosos -em mandarim.
Uma versão digital e interativa da renomada tela do século 16 é uma das 61 réplicas high-tech que infundem vida a obras de arte da antiguidade e da era clássica na "Exposição Mundial de Arte Clássica Interativa," aberta em Pequim na semana passada.
São recriações de obras de grandes mestres da pintura e pintores modernos renomados, criadas por uma galeria de arte sul-coreana. O organizador da mostra, Wang Hui, comentou que foram precisos dois anos de preparativos, além de um investimento de vulto, para levar as obras à China.
"O que é especial nesse trabalho é que é a primeira vez em que tecnologia 3D, tecnologia holográfica e tecnologia de reconhecimento de voz são mescladas em uma só exposição," disse Wang à Reuters.
Como a pintura original de Da Vinci, que está no Louvre, em Paris, a Mona Lisa digital é a atração principal da mostra. Ela acena para os visitantes e conversa com eles, que lhe fazem perguntas sobre sua idade e sua vida.
"Alô, sou a Mona Lisa. É um prazer conhecê-lo," diz ela em mandarim.
"A Última Ceia" é outra tela de Da Vinci que ganha vida digital. Nela, Jesus conversa com os apóstolos e se move pela tela de plasma.
A exposição também inclui uma peça multimídia com réplicas em tamanho natural de estátuas antigas de deuses e deusas gregos e romanos, que se gabam de suas virtudes e beleza e fazem poses.
"Estudei belas-artes na faculdade. Nos estúdios, as obras estão paradas, mas aqui elas estão vivas e se movem. É surpreendente e vívido," comentou um visitante, Zhao Yuanzhi.
Ao mesmo tempo em que procura mostrar a arte sob uma luz nova, a exposição tenta responder a uma das perguntas mais perenes do mundo: o que há por trás do sorriso da Mona Lisa.
Quando a pergunta lhe é feita, o retrato digital é programado a falar sobre como Mona Lisa engravidou após a morte de um filho, tecendo comentários sobre as dores e as alegrias de sua vida.
Ela também reconhece que muitas pessoas acham seu sorriso misterioso.
http://oglobo.globo.com/cultura/mat/2009/08/27/mona-lisa-ganha-vida-em-exposicao-de-arte-high-tech-767343188.asp

500 anos de mulheres na pintura...

2009-08-17T19:12:00.000-07:00

Burle Marx, 100 anos...

2009-08-17T18:10:00.000-07:00

Conhecido internacionalmente como um dos mais importantes arquitetos paisagistas do século 20, Roberto Burle Marx estudou pintura em Berlim, na Alemanha, no final dos anos 1920. Lá, ele era freqüentador assíduo do Botanischer Garten Und Botanisches Museum Berlin-dahlem, o mais antigo jardim botânico alemão, fundado no século 17 como um parque real para flores, plantas medicinais, vegetais e lúpulo (para a cervejaria do rei).
Esse jardim foi reformado no início do século seguinte e se tornou um dos mais importantes centros de pesquisa em botânica da Europa. Foi lá, a mais de 10.000 km de sua casa no Rio de Janeiro, que o rapaz de 19 anos notou pela primeira vez a beleza das plantas tropicais e da flora brasileira.
De volta ao Brasil, ele continuou seus estudos na Escola de Belas Artes, no Rio. Os jardins planejados por Burle Marx eram comparados a pinturas abstratas, alguns bem curvilíneos, outros de linhas retas, usando plantas nativas brasileiras para criar blocos de cor.
Além de paisagista de renome internacional, ele também foi um pintor notável, escultor, tapeceiro, ceramista e designer de jóias.
Seu primeiro projeto paisagístico foi o jardim de uma casa desenhada pelos arquitetos Lucio Costa (que projetou Brasília) e Gregory Warchavchik, in 1932. Dali em diante não parou mais de projetar paisagens, pintar e desenhar.
Em 1949, Burle Marx comprou uma área de 365.000 m2 em Barra de Guaratiba, no litoral do Rio de Janeiro. Ali começou a organziar sua enorme coleção de plantas. Em 1985 ele doou a propriedade à Fundação Pró-Memória Nacional, entidade cultural do governo federal que atualmente se chama Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN).
Hoje em dia pode-se encontrar um jardim ou uma estufa projetados por Burle Marx em várias partes do mundo, como em Longwood Gardens (Filadélfia), na Universidade da Califórnia, na cobertura da sede de um banco paulista, no aterro do Flamengo (Rio de Janeiro), em Caracas (Venezuela).
Mesmo sem ter uma educação formal em arquitetura paisagística, o aprendizado de Burle Marx na pintura influenciou a criação de seus jardins. Ele aceitava, embora de forma relutante, que "pintava" com as plantas. Mas seu trabalho não pode ser reduzido ao efeito pictórico e visual produzido por suas paisagens. Marx se autodefinia como um artista de jardins.
Conhecido por sua preocupação ambiental e pela preocupação com a preservação da flora brasileira, ele inovou ao usar plantas nativas do Brasil em suas criações e isso se tornou sua característica marcante. Foi ele quem valorizou as bromélias, por exemplo, e tornou-as populares: hoje essas plantas naturais da Mata Atlântica se tornaram conhecidas e são cultivadas em viveiros para serem vendidas. O "estilo Burle Marx" tornou-se sinônimo de paisagismo brasileiro no mundo.
http://educacao.uol.com.br/biografias/ult1789u645.jhtm

José Paulo Moreira da Fonseca

2009-08-17T17:59:00.000-07:00

José Paulo Moreira da Fonseca nasceu no Rio de Janeiro em 1922 e faleceu na mesma cidade em 4 de dezembro de 2004. Em 1945, formou-se em Direito e em 1948 concluiu a Faculdade de Filosofia, mas, afinal, dedicou-se à arte, tornando-se um dos principais poetas de sua geração, com vários livros publicados.
Na década de 50, fez suas primeiras incursões na pintura, como autodidata. Foram experiências isoladas, com grandes lapsos de tempo entre um e outro quadro, até alcançar, afinal, um ritmo regular de produção.
Segundo suas próprias palavras, houve «influência inicial dos Velhos Mestres e do Impressionismo, através do Museu imaginário das reproduções; a pintura italiana do Séc. XV, os holandeses do Seiscentos, a gravura japonesa, os inovadores desde Turner até Bracque e Mondrian são, no desenvolvimento da obra, os modelos fundamentais, tudo conjugado com a paisagem carioca, da Baixada Fluminense e da Serra do Mar (Petrópolis e Teresópolis).»
Fazendo abundante uso da espátula, José Paulo estrutura seus quadros por meio de zonas cromáticas bem distribuídas no espaço pictórico, tematicamente tendo nas fachadas, portas e janelas, paisagens e marinhas os motivos principais de sua produção.
Tendo realizado em 1962 sua primeira individual, desde então já efetuou numerosas mostras, em São Paulo, Rio de Janeiro e Recife, como também em Frankfurt, Lisboa, Londres, Viena, Munique, Bonn, Hamburgo e Nova Iorque. É uma pintura agradável, que apela diretamente ao olho tátil e, através dele, ao sentimento do espectador.
Fonte: 500 Anos da Pintura Brasileira

Pintores Cearenses - Chico da Silva

2009-08-17T17:53:00.000-07:00

Chico da Silva ou Francisco Domingos da Silva (Alto Tejo, Acre, 1923 — Fortaleza, 1985) foi um pintor brasileiro de estilo naïf. Era descendente de índios e ainda menino mudou-se para Fortaleza. Teve diversas profissões não relacionadas à arte, mas sempre desenhava pelos muros da cidade com carvão e giz. Um destes graffitis foi notado pelo pintor Jean-Pierre Chabloz, que o tomou como discípulo e ensinou-lhe as técnicas do guache e do óleo. Logo passou a expor seus trabalhos na cidade, no Rio de Janeiro e na Suíça. Em 1966 recebeu menção honrosa na XXXIII Bienal de Veneza.
Descendente de uma cearense e um índio da Amazônia peruana. Viveu até os dez anos de idade na antiga comunidade de Alto Tejo. Em 1934, a família de Chico da Silva embarcou para o Ceará.
Semi-analfabeto, Chico da Silva foi descoberto pelo suíço Jean-Pierre Chabloz em meados da década de 50 na praia do Pirambu, em Fortaleza, onde costumava desenhar em paredes e muros do bairro. Antes de ser conhecido, era chamado pelos moradores de “indiozinho débil mental”.
Seu estilo é incomparável. Seus desenhos surgiam de forma espontânea, como involuntários impulsos de sua imaginação. Chico não teve nenhuma influência de outros estilos nem muito menos de escolas de pintura. Seus traços, inicialmente feitos a carvão, impressionavam pela riqueza de detalhes e abstração. Eram dragões, peixes voadores, sereias, figuras ameaçadoras e de grande densidade e formas.
Na Europa ele é conhecido como o índio de técnica apuradíssima e traços autodidatas de origem inerente à visão tropical da vida na floresta.
Para alguns especialistas seus trabalhos são individuais mas comunitários, pois muitos dos seus quadros foram apenas assinados por ele, pois na verdade estes teriam sido pintados por seus filhos e parentes para aumentar a produção (já que a procura era cada vez maior); e cobiçada devido à valorização dos trabalhos no mundo das artes plásticas.
Ele participou de várias exposições em países como França, Suíça, Itália e Rússia. Algumas de suas pinturas foram expostas em Manaus, a cidade mais próxima de sua terra natal onde os seus trabalhos chegaram, mas nunca seus quadros foram apresentados em Rio Branco (AC).

http://pt.wikipedia.org/wiki/Chico_da_Silva

Colhendo flores com Washington Maguetas...

2009-08-17T12:21:00.000-07:00

Washington Maguetas é um artista que desde cedo desempenhou papel definido no ofício das Belas Artes, tendo seu trabalho baseado no aprendizado pela observação e prática. São mais de 50 anos de vivência artística, que lhe conferem a condição de Mestre. Nascido em 5 de julho de 1942, em Taquaritinga (SP), Maguetas tornou-se professor de desenho e pintura desde 1960. Sua principal atividade sempre foi a pintura, também tendo criado músicas (letras e melodias), esculturas e poesias.
A arte de Maguetas é intimamente ligada à história do impressionismo no Brasil e no mundo. Passou uma grande parte de sua vida na busca árdua da cor, da harmonia, da sombra e da forma perfeita.
O impressionismo surgiu espontaneamente, porque veio da necessidade de reproduzir os momentos rapidamente, conservando a luz natural em cada cena. As cores, tons e luzes são brasileiras, assim como a maior parte das paisagens, classificando seu trabalho como um "Impressionismo Tropical".
http://www.maguetas.com.br/

Arquitetura & Arte - Entrevista Sávio Queiroz

2009-07-22T14:50:00.000-07:00

Sandra Mary Mourão entrevista o marchand Sávio Queiroz no programa Arquitetura & Arte da Band. Um papo agradável sobre sua galeria virtual, arte, artistas e o mercado da arte no Brasil e no mundo. Simplesmente imperdível!!!

"Todas as artes contribuem para a maior de todas as artes, a arte de viver." (Bertold Brecht)

Sávio Queiroz no Contra-Ponto

2009-04-22T09:55:00.000-07:00

O marchand Sávio Queiroz foi entrevistado por Alfredo Marques e por Lindival Freitas Jr. no programa CONTRA-PONTO. Dono da primeira galeria de arte virtual de Fortaleza / Ce, Sávio falou sobre arte, artistas e sobre o mercado da arte no Brasil e no mundo.

Picasso precisa combinar com sofá?

2009-04-15T08:46:00.000-07:00

por Mírian Pinheiro

A grosso modo, o mercado de arte caminha para onde está o dinheiro. Esse é o mandamento de quem vive numa economia estagnada, onde é cada vez mais difícil vender, principalmente mercadoria cara, como é o caso da obra de arte. Mas, se a figura do colecionador é cada vez mais rara, em contrapartida, cresce o número de pessoas interessadas em ter em casa um trabalho assinado por um artista. É exatamente a volta para dentro de casa, imposta pela violência urbana, que tem incrementado o mercado de arte no País. As pessoas estão interessadas em casas bonitas e acolhedoras. Por isso, hoje, o decorador responde pelo maior percentual de vendas das galerias. Normalmente, ele é quem sai à caça das peças que irão transformar o espaço privado no ambiente desejado. Daí, a sua presença cada vez mais freqüente dentro das galerias de arte.

Mas nem tudo são flores nessa relação de compra e venda. O que os donos de galeria têm percebido é que há um certo desconhecimento por parte dos decoradores sobre o emprego da arte na decoração. Para Beatriz Lemos de Sá, dona da galeria de arte que leva o seu nome, a obra de arte não tem o compromisso de combinar com nada. “Mas existe, sim, uma demanda pelo serviço do decorador nesta área. E muitas pessoas deixam a cargo dele essa escolha. Infelizmente, nem todos têm uma cultura artística para indicar a melhor opção”, critica. O que no meio tem sido comum, ela diz, é se eleger nomes (como se fosse receita de bolo) e só comprar trabalhos desses artistas.

Para ela, há pretensos artistas que se dedicam a fazer trabalhos para agradar exatamente a esse público, apesar de acreditar que são adornos o que produzem, não arte. “Artista com ‘a’ maiúsculo ninguém dá o tom para ele”, diz a marchande, cuja venda maior ainda é para colecionador.

Informação

Na opinião de Beatriz Abi-Acl, dona da Agnus Dei, o decorador tem uma importância singular neste mercado. “É a ele que as pessoas de fora recorrem quando chegam a BH, sem conhecer direito as galerias de arte da cidade”, afirma. Mais positiva, ela acredita que os decoradores já estão buscando entender mais o mercado de arte, a obra, o artista. Mas é preciso fazer mais para que histórias que ela classifica como “verdadeiros crimes” não aconteçam sempre. “Recentemente, tive um casal de clientes apaixonados por uma obra de Mariza Trancoso. No entanto, eles não puderam ficar com o quadro porque sobravam 20 cm de parede. O decorador deles não permitiu”, conta, ao criticar a conduta do profissional que age assim - um tipo de interferência que vê com profunda tristeza.

Para ela, antes de qualquer coisa, os decoradores precisam avaliar a honestidade do trabalho do artista, embora admita que eles também não têm culpa de o artista optar por fazer uma obra somente com a intenção de decorar. Sua parte, a de marchande, Beatriz faz privilegiando artistas mineiros de qualidade. “Faço cinco exposições por ano, quatro são de artistas daqui e apenas um de fora”, diz. Já para Celma Albuquerque, dona da galeria que leva seu nome, o decorador para prestar uma boa assessoria, deveria estar bem informado. “Por quase quatro anos mantive um curso de história de arte na galeria, nenhum decorador matriculou-se”, afirma, sem entender o porquê de o profissional não conversar mais com os marchands, uma vez que o seu cliente precisa ser bem informado para comprar melhor.

João Carlos Lopes dos Santos – consultor de mercado de arte e perito judicial na área de mercado de arte há 20 anos no Rio de Janeiro -, diz que é preciso paciência. “O mercado de arte organizado do País tem um pouco mais de 40 anos e ainda está se desenvolvendo, ávido por encontrar uma economia brasileira saudável”. Na sua visão, Belo Horizonte está em pé de igualdade com o mercado do Rio de Janeiro e São Paulo e o seu viés é de alta. Porém, discorda de o decorador, no cenário nacional, ser o principal consumidor de arte. Na sua visão, os quadros de coleção têm tido uma procura jamais vista no mercado de arte brasileiro. “Quem tem um quadro raro, seja de um artista importante no cenário nacional – ou internacional -, sem dúvida, sabe que tem dinheiro em caixa e absoluta liquidez. Mas não vê problemas no fato de o grande consumidor não ser colecionador.

“Aliás, é bom que se diga, todas as grandes coleções de arte do País começaram com a intenção de decorar as paredes e, quase sempre, com a aquisição de obras de arte dos artistas novos da época”, afirma. Também neste setor, dos artistas novos, Minas Gerais apresenta excelentes nomes”, elogia.

“Arte” perigosa

O consultor João Carlos Lopes dos Santos diz que, enquanto intermediador da compra, muitas vezes até fazendo a escolha no lugar do cliente, o decorador deve estar atento ao meio que atua. “Há de tudo: autocopista, cover, importador de criatividade, falso artista plástico, enganador, impostor, retroprojetista, industriário e falsificador”. Aos desvios de conduta do segmento chama antiartes, que nada mais são do que a cópia, o plágio, o embuste, a falsificação e todos os tipos de mentira na criação artística. A isso também faz questão de dizer que sempre se opõe, “a 180 graus”, de todos os argumentos que pretendam justificar qualquer tipo de antiarte.

Para ele, o inimigo número um das artes plásticas é o mau profissional, seja qual for a sua atividade no mercado de arte - artista, consultor, vendedor. Mas essas práticas, ele diz, não são mazelas contemporâneas, exclusivas do mercado de arte brasileiro. São universais - e existem em todas as atividades humanas desde os primórdios da civilização.

Para Marco Elizio, professor de crítica de arte da Escola de Belas Artes da UFMG, o decorador, até pelo volume de negócios que movimenta nas galerias, deveria preservar mais as artes, se informar melhor, colaborar para educar o grande público. “Ainda acontece muito de ele atender o gosto do cliente, e acabar ‘empurrando’ obras mais conservadoras”, lamenta, ao afirmar que, quem quer decorar uma casa, quer parecer “moderno”, ainda que, para isso, esteja elevando ao limbo o que ele chama de cultura neogeo - mais minimalista, mais deglutível. “Chamo isso de modernoso, mistura de moderno e horroroso, cópia de revistas, salões de Milão”, critica, ao reconhecer o mesmo fenômeno na moda. Para ele, o decorador pode convencer com a dignidade do seu trabalho.

O que Marco Elizio mais teme é a uniformização, “são casas que mais se parecem vitrines fotografadas para revistas”. Ele defende a idéia de o decorador ser uma espécie de conselheiro de investimento. “Do mesmo modo que um sofá de R$ 5 mil pode ser jogado fora daqui a alguns anos, o neogeo também perderá liquidez. Ao contrário de uma obra de arte, que tem valor eterno”, avalia, ao acrescentar que colocar arte dentro de casa é uma questão de sabedoria e informação, não de moda. Ele acredita que o decorador pode transformar o seu cliente em colecionador - uma atividade humana de preservação da memória, diferente de um mero consumidor.

De acordo com a presidente da Associacão Mineira de Decoradores de Nível Superior (Amide), Maria Ignez Coutinho, ainda há muitos profissionais que não conhecem - como deveriam - o mercado de arte. “Essa prática de comprar o que combina com o ambiente, infelizmente é comum”, revela a decoradora. Na sua opinião, o cliente reforça o erro, na medida em que confia no profissional que contrata, acatando suas decisões, e ao subestimar o poder de uma obra de qualidade. “O cliente gasta uma fortuna com um móvel, mas na hora de comprar um quadro não quer gastar”, afirma Maria Ignez.

Para tentar mudar essa cultura, ela conta que a Amide tem promovido visitas orientadas a galerias de arte, com o intuito de aproximar o decorador do marchand, de uma maneira mais informal. A última visita aconteceu na galeria Agnus Dei. Segundo Maria Ignez, 35 profissionais participaram. Um número pouco expressivo, se comparado com os 700 profissionais cadastrados na entidade. Mas a saída, ela acredita, está mesmo na promoção de eventos - o que inclui visitas aos ateliês dos artistas - que favoreçam o maior conhecimento do decorador. “Aos poucos, a classe vai se conscientizar de que obra de arte, além de valorizar a decoração, ser a chave de ouro, é investimento. E o decorador que sabe disso está à frente dos outros”, enfatiza, ao chamar atenção para a necessidade de fazer com que reconheçam melhor o trabalho dos artistas mineiros.

Lei garante

Segundo a assessoria de comunicação da Secretaria Municipal de Cultura, a Lei Municipal 5.893, de 5 de maio de 1991, obriga a colocação de obra de arte em prédios com área bruta maior de 2 mil metros quadrados. Os artistas plásticos que querem ter obras exibidas nos halls devem se cadastrar nas Secretarias de Cultura e Fazenda de Belo Horizonte.

Fonte: Jornal Estado de Minas - Belo Horizonte, 31/08/2003

Eposição de Leonilson

2009-02-09T06:31:00.000-08:00

Ladrões do MASP

2009-02-08T04:15:00.000-08:00

O juiz da 18ª Vara Criminal da capital paulista, Marcello Ovidio Lopes Guimarães, condenou na quarta-feira (5/2/2009) os quatro suspeitos envolvidos no furto de duas telas do Museu de Arte de São Paulo (Masp) em 20 de dezembro de 2007. A maior pena foi imposta a Robson de Jesus Jordão, conhecido como Robinho, que terá de cumprir 9 anos e 6 meses de prisão. Francisco Laerton Lopes de Lima deverá ficar encarcerado por 8 anos e 1 mês, Moisés Manoel de Lima Sobrinho, por 6 anos e 5 meses, e Alexsandro Bezerra da Silva, por 3 anos e 30 dias.

Dezenove dias depois do roubo, as obras o Lavrador de Café, de Cândido Portinari, e O Retrato de Suzanne Bloch, de Pablo Picasso, foram recuperadas numa casa em Ferraz de Vasconcelos, na Grande São Paulo.

Grandes Pintores Brasileiros IV - Pancetti

2009-02-04T08:20:00.000-08:00

“Tudo que pinto é com amor. Só sei pintar com amor”. José Pancetti

Giuseppe Gianinni Pancetti (Campinas / São Paulo, 18 de junho de 1902 – Rio de Janeiro, 10 de fevereiro de 1958), pintor.

Devido a problemas financeiros, seu pai decidiu que Pancetti fosse morar em Massa-Carrara (Itália) com os avós. Trabalhou como marceneiro; Como aprendiz de marinheiro, viajou alguns meses pelo mediterrâneo.

Em 1920, voltou para o Brasil (Santos) onde trabalhou em diversos ofícios (um deles foi de ourives). Na capital paulista trabalhou como cartazista e pintor de paredes. Dois anos depois alistou-se na marinha brasileira ficando no posto de marinheiro até subir ao posto de segundo tenente. Durante esse tempo na marinha, Pancetti pintou suas primeiras obras.

No final da década de 20 estudou na Escola de Auxiliares e Especialistas. Mais ou menos na mesma época, entrou para o Núcleo Bernardelli, sua época de aprimoramento técnico.

Por motivos de saúde, passou cerca de dois anos em Campos do Jordão (São Paulo) e São João del Rei (Minas Gerais) na tentativa de recuperação.

Os temas característicos de suas obras são as marinhas, as naturezas-mortas, os retratos e as paisagens.

*Foto: Catálogo da Exposição Pancetti - O Marinheiro Só (Pág. 140). São Paulo, 2000.

J. Fernandes

2009-02-04T08:11:00.001-08:00

Desenhista e pintor, iniciou-se nas artes plásticas ainda jovem, desenhando nas calçadas do bairro onde residia em Fortaleza (CE).

Conduzido ao ateliê de Raimundo Cela, recebeu por algum tempo orientação artística do mestre, especialmente em desenho.

Com o retorno de Cela ao Rio de Janeiro (RJ), foi apresentado por Jean–Pierre Chabloz a diversos artistas plásticos já iniciados nos movimentos de renovação da arte cearense ocorridos no início da década de 40, com os adventos do Centro Cultural de Belas Artes – CCBA em 1941 e da Sociedade Cearense de Artes Plásticas - SCAP em 1944.

Começou a participar das diversas edições anuais do Salão de Abril, a partir de 1953 e até 1990, fazendo jus à Medalha de Ouro no XI Salão, em 1955, e a Salas Especiais nos XXV, XXVIII e XXIX Salões Municipais de Abril, em 1975, 1978 e 1979, figurando também na Mostra Paralela aos XL e XLI Salões Municipais de Abril, ambos realizados em 1990.

Participou ainda das mostras “A Paisagem Cearense” no Museu de Artes da UFC (Fortaleza – CE 1963), “Quinze Artistas Cearenses” (Crato – CE 1966) e da Exposição Inaugural do Centro de Artes Visuais Casa de Raimundo Cela (Fortaleza – CE 1967).

Realizou, também, mais de uma dezena de exposições individuais, a partir de 1948, em Fortaleza (CE), Recife (PE) e Brasília (DF), afora uma retrospectiva no Museu de Arte da UFC – MAUC na década de 70. É verbete no “Dicionário das Artes Plásticas no Brasil”, de Roberto Pontual.

Fonte: Dicionário das Artes Plásticas do Ceará / Oboé

Antônio Poteiro

2008-12-26T10:35:00.000-08:00

Antônio Batista de Sousa, mais conhecido como Antônio Poteiro, (Aldeia de Santa Cristina da Pousa, Braga, 10 de outubro de 1925) é um escultor, pintor e ceramista nascido em Portugal e radicado no Brasil. É considerado um dos mestres da pintura primitiva no Brasil e vive atualmente em Goiânia.

Iniciou-se na vida artística como artesão, produzindo cerâmicas para o uso doméstico, máscaras e bonecos, de onde adveio o "Poteiro" de seu nome artístico.

Incentivado por Siron Franco e Cléber Gouvea, começou a pintar em 1972. Em 1976, participou do documentário Artistas de Goiás, produzido pela Goiastur. Em 1978 lecionou cerâmica no Centro de Atividades do Sesc, no Rio de Janeiro. Dois anos depois, lecionou cerâmica nas Feiras Internacionais de Hannover e Düsseldorf.

Em 1983 foi produzido o documentário Antônio Poteiro: o Profeta do barro e das cores, dirigido por Antônio Eustáquio. Em 1985 recebeu o prêmio da Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA 1984) na categoria escultura.

Em 1987 recebeu a Comenda Ofiacialato da Ordem do Mérito, concedida por Portugal. Um novo documentário sobre o artista foi produzido por Ronaldo Duque em 1991.

Em 1999 recebeu a Medalha Gustavo Ritter, do Conselho Estadual de Cultura de Goiás.

Grandes Pintores Brasileiros III - Lasar Segall

2008-12-04T12:50:00.000-08:00

Navio de imigrantes - Lasar Segall

Nascido na Lituânia, então sob domínio russo, e naturalizado brasileiro, Lasar Segall alimentou sua arte com as lembranças de sua juventude, representando a figura do imigrante, do rapaz vagabundo, da família pobre, do operário, do apaixonado e do sofredor, já que, como judeu exilado, nunca esqueceu os horrores da guerra.

Ao deixar sua terra natal, Segall passou a residir na Alemanha. Durante os anos de 1906 a 1909, cursou a Academia Imperial de Belas-Artes de Berlim. Em 1910, mudou-se para Dresden, onde freqüentou a Academia de Belas-Artes, participou da vida artística da cidade e realizou sua primeira exposição individual.

Diretamente influenciado pelo expressionismo alemão, suas telas pintadas nessa época (1912-1923) definem-se por sua construção geométrica e pelo colorido sóbrio.

Veio pela primeira vez ao Brasil em 1913, realizando as duas primeiras exposições de arte moderna do país, uma em São Paulo e outra em Campinas.

Retornando à Alemanha, iniciou seus trabalhos em gravura em metal, litografia e xilogravura. Realizou exposições individuais em Hagen (1920), Frankfurt (1921) e Leipzig (1923).

Fixou-se no Brasil em 1923, naturalizando-se brasileiro. Conheceu Mário de Andrade e integrou-se ao movimento modernista. Nessa fase, sua pintura modificou-se: recebeu cores mais vivas e passou a representar temas tipicamente brasileiros.

Na segunda metade dos anos de 1920, desenvolveu as séries de gravuras Mangue e Imigrantes. Expôs seus trabalhos feitos no Brasil em várias cidades da Alemanha, em 1926. Às vésperas da Segunda Guerra Mundial, compôs a série de pinturas sobre os grandes dramas da humanidade, como Progom, Navio de Imigrantes e Guerra.

Em 1949, principiou sua última fase, na qual elaborou Floresta (1950-1955). Ritmada por longas linhas verticais, essa série de aquarelas embebidas de ingenuidade popular é notável pela utilização máxima dos recursos que esse tipo de pintura oferece e pelo belo resultado obtido.

Arte Conceitual

2008-12-04T12:27:00.000-08:00

"Fonte", apresentada por Duchamp em 1917

A arte conceitual é aquela que considera a idéia, o conceito por trás de uma obra artística, como sendo superior ao próprio resultado final, sendo que este pode até ser dispensável.

A partir de 1960, essa forma de encarar a arte espalha-se pelo mundo inteiro, abarcando várias manifestações artísticas.

Entretanto, desde Duchamp podem ser percebidos os primeiros indícios da sobrevalorização do conceito.

Um trabalho de arte conceitual, em sua forma mais típica, costumava ser apresentado ao lado da teoria. Pôde-se assistir a um gradual abandono da realização artística em si, em nome das discussões teóricas.

Países como a Inglaterra (que historicamente se mantivera avessa às discussões teóricas quando o assunto era arte) foram grandes focos desse novo modelo. Publicações, como "Art and Language", do grupo liderado por Victor Burgin e John Stezaker, eram bastante influentes.

O uso de diferentes meios para transmitir significados era comum na arte conceitual. As fotografias e os textos escritos eram o expediente mais comum, seguida por fitas K-7, vídeos, diagramas, etc.

Nos Estados Unidos, temos as figuras de Lawrence Weiner e Robert Barry, como importantes expoentes do novo estilo.

Joseph Kosuth também é considerado um dos líderes do movimento no país. É bastante conhecido seu trabalho "One and Three Chairs", que apresenta uma cadeira propriamente dita, uma fotografia de uma cadeira e uma definição extraída do dicionário sobre o que seja uma cadeira.

"A Arte como idéia", em que dá definições de pintura divididas em itens sobre um fundo negro, é outro bom exemplo de trabalho conceitual.

Os artistas não se incomodavam em evitar as trivialidades, em criar elementos que tornassem interessantes suas composições ou realizar composições agradáveis ao olhar.

Pelo contrário, era preferível que nada desviasse a atenção da idéia que um trabalho deveria expressar.

Alguns artistas iam mais longe, afirmando que essas imagens triviais poderiam refletir a própria superficialidade de quem as observa.

Utilizando-se de imagens comuns, como por exemplo, a cadeira de Kosuth, em que pode se argumentar não ter acrescentado nada ao conhecimento de qualquer pessoa, acostumada com uma cadeira, não costumava ser bem recebida pelo público.

Além disso, o problema maior era que, não acrescentando nada, essas experiências fora do eixo convencional tornavam difícil o julgamento do que era realmente uma obra de arte ou simples amadorismo.

Entretanto, grande parte dos artistas conceituais tinham por objetivo, com esse tipo de procedimento, realizar exatamente o contrário: popularizar a arte, fazer com que ela servisse como veículo de comunicação.

Seria uma oposição ao hermetismo do minimalismo e à redução da arte às relações, por exemplo, entre forma e pigmentação.

Na verdade, servindo-se de textos abstratos, normalmente aproveitando-se da lingüística ou da filosofia, acabam por possivelmente aumentar o hiato entre o artista e o grande público.

Enciclopédia Digital Master
Enciclopédia Koogan-Houaiss

Grandes Pintores Brasileiros II - Di Cavalcanti

2008-11-28T04:18:00.000-08:00

Di CavalcantiNascido no Rio de Janeiro em 1897, fez sua estréia como desenhista no salão das Humoristas em 1916. Após se mudar para São Paulo em 1917, conviveu com Mário e Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti e Brecheret. Freqüentou também o ateliê do pintor impressionista alemão George Elpons.

Foi dele a idéia da Semana de Arte Moderna, que aconteceu no Teatro Municipal de 1922. Era uma época de muitas novidades, como o carro, a fotografia e o cinema mudo. Então a vida das pessoas estava mudando muito rápido, mas a poesia e a pintura continuavam a seguir as antigas regras, em sua maioria francesas.

Di Cavalcanti foi também um intelectual bem informado sobre as vanguardas artísticas de seu tempo. Em 1921, foi convidado a ilustrar o livro "Balada do Cárcere de Reading", de Oscar Wilde, um dos mais renomados escritores da época. Neste mesmo ano se casa com Maria, sua prima em segundo grau.

A semana de 22 foi uma espécie de festival em que modernistas brasileiros mostraram seus trabalhos. Além de expor suas telas, Di Cavalcanti desenhou o programa e os convites da mostra. Em seguida, em 1923, viajou para a Europa para estudar e lá conheceu e conviveu com grandes mestres da pintura, como Picasso, Braque, Matisse e Léger. Di Cavalcanti também teve influências de Paul Gauguin, de Delacroix e dos muralistas mexicanos.

O contato que teve com o cubismo de Picasso, o expressionismo e outras correntes artísticas de vanguarda, contribuiu para aumentar sua disposição em quebrar paradigmas e inovar em sua arte, sem perder de vista uma estética que abordava a sensualidade tropical.

Na volta ao Brasil, retratou temas nacionais e populares, como favelas, operários, soldados, marinheiros e festas populares. Também ficou conhecido por seus belos retratos de negras, fase em que consagrou a modelo e atriz Marina Montini.

Em 1926, já no Brasil, ingressa no Partido Comunista e continua a fazer ilustrações. Após nova viagem a Paris, faz os painéis de decoração do Teatro João Caetano do Rio de Janeiro. Em 1932, durante a Revolução Constitucionalista, Di Cavalcanti é preso pela primeira vez. Após ser libertado, se casa com Noêmia Mourão, sua segunda esposa.

Em 1950 projetou o mosaico da fachada do Teatro Cultura Artística, a maior obra do artista, com 48 metros de largura por 8 metros de altura.O pintor recebeu prêmios importantes, como a "Medalha de Ouro" na exposição de Paris (1937) e o título de "Melhor Pintor Brasileiro" na II Bienal de São Paulo (1953), junto com Volpi.

Di Cavalcanti era um artista de muitas habilidades. Além de quadros e ilustrações para revistas, fez desenhos para jóias, tapetes e painéis. Morreu na sua cidade natal em 1976.

Fonte: Wikipedia

Washington Maguetas na praça...

2008-11-27T11:44:00.000-08:00

Após a exposição Luar do Sertão em Araraquara / SP, o artista plástico impressionista Washington Maguetas brindou a cidade de Taquaritinga (sua cidade natal) com a colocação de dois grandes mosaicos, de sua autoria, na reforma da praça da Igreja Matriz de São Sebastião.

Maguetas vem sendo incluído em todas as enciclopédias de arte do mundo como o maior impressionista brasileiro em atividade.

Grandes Pintores Brasileiros I - Tarsila do Amaral

2008-11-27T11:15:00.000-08:00

Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade. Formou, com Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Mário de Andrade e Oswald de Andrade, com quem se casou em 1924, o chamado Grupo dos Cinco.

Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886. Estudou com Pedro Alexandrino, a partir de 1917, e depois com George Fischer Elphons, em São Paulo. Em Paris freqüentou a Académie Julien, sob a orientação de Émile Renard. Entrou em contato com Fernand Léger, cujo estilo a marcou sobremodo, André Lhote e Albert Gleisse, e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses.

Retornando ao Brasil em 1924, percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades, assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. Essa pintura inspirou um movimento, variante brasileira do cubismo, e influenciou Portinari.

Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. Iniciou-se então sua fase antropofágica, de retorno ao primitivo, da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". Presente na I e II Bienais de São Paulo, foi premiada na primeira. Na Bienal de São Paulo de 1963, sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra. Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933), da fase social, em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe".

Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957), na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. Entre suas demais telas destacam-se "A negra", no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, e "São Paulo", na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973.

O que é arte?

2008-11-26T04:11:00.000-08:00

Galeria Errol Flynn - 2005 - Belo Horizonte, BH

A arte é uma criação humana com valores estéticos (beleza, equilíbrio, harmonia, revolta) que sintetizam as suas emoções, sua história, seus sentimentos e a sua cultura. É um conjunto de procedimentos utilizados para realizar obras, e no qual aplicamos nossos conhecimentos. Apresenta-se sob variadas formas como: a plástica, a música, a escultura, o cinema, o teatro, a dança, a arquitetura etc. Pode ser vista ou percebida pelo homem de três maneiras: visualizadas, ouvidas ou mistas (audiovisuais). Atualmente alguns tipos de arte permitem que o apreciador participe da obra. O artista precisa da arte e da técnica para se comunicar.

Quem faz arte?

O homem criou objetos para satisfazer as suas necessidades práticas, como as ferramentas para cavar a terra e os utensílios de cozinha. Outros objetos são criados por serem interessantes ou possuírem um caráter instrutivo. O homem cria a arte como meio de vida, para que o mundo saiba o que pensa, para divulgar as suas crenças (ou as de outros), para estimular e distrair a si mesmo e aos outros, para explorar novas formas de olhar e interpretar objetos e cenas.

Por que o mundo necessita de arte?

Porque fazemos arte e para que a usamos é aquilo que chamamos de função da arte que pode ser feita para decorar o mundo, para espelhar o nosso mundo (naturalista), para ajudar no dia-a-dia (utilitária), para explicar e descrever a história, para ser usada na cura doenças e para ajuda a explorar o mundo.

Como entendemos a arte?

O que vemos quando admiramos uma arte depende da nossa experiência e conhecimentos, da nossa disposição no momento, imaginação e daquilo que o artista pretendeu mostrar.

O que é estilo? Por que rotulamos os estilos de arte?

Estilo é como o trabalho se mostra, depois do artista ter tomado suas decisões. Cada artista possui um estilo único.Imagine se todas as peças de arte feitas até hoje fossem expostas numa sala gigantesca. Nunca conseguiríamos ver quem fez o quê, quando e como. Os artistas e as pessoas que registram as mudanças na forma de se fazer arte, no caso os críticos e historiadores, costumam classificá-las por categorias e rotulá-las. É um procedimento comum na arte ocidental.Ex.: Surrealismo

Como conseguimos ver as transformações do mundo através da arte?

Podemos verificar que tipo de arte foi feita, quando, onde o como, desta maneira estaremos dialogando com a obra de arte, e assim podemos entender as mudanças que o mundo teve.

Como as idéias se espalham pelo mundo?

Exploradores, comerciantes, vendedores e artistas costumam apresentar às pessoas idéias de outras culturas. Os progresssos na tecnologia também difundiram técnicas e teorias. Elas se espalham através da arqueologia , quando se descobrem objetos de outras civilizações; pela fotografia, a arte passou a ser reproduzida e, nos anos 1890, muitas das revistas internacionais de arte já tinham fotos; pelo rádio e televisão, o rádio foi inventado em 1895 e a televisão em 1926, permitindo que as idéias fossem transmitidas por todo o mundo rapidamente, os estilos de arte podem ser observados, as teorias debatidas e as técnicas compartilhadas: pela imprensa, que foi inventada por Johann Guttenberg por volta de 1450, assim os livros e e arte podiam ser impressos e distribuídos em grande quantidade; pela Internet, alguns artistas colocam suas obras em exposição e podemos pesquisá-las, bem como saber sobre outros estilos.

Rui de Paula

2008-11-19T08:59:00.000-08:00

Iniciou suas atividades artísticas em 1979, participando de feiras culturais e exposições.

Em sua carreira, Rui de Paula tem se revelado um artista inventivo e sensível, mais preocupado com a expressão do que com a tradição, conseguindo fundir impressionismo e acadêmico com grande harmonia.

Considerado hoje um dos mais talentosos pintores da atualidade, ele tem sido destaque em exposições e leilões junto a mestres como: Edgar Walter, Portinari, Guignard e Di Cavalcanti, entre outros.

Luiz Pinto

2008-11-19T08:43:00.000-08:00

Luiz Pinto nasceu em 1939 na cidade de Sete Lagoas em Minas Gerais. Pintor, desenhista, ilustrador e professor, iniciou-se na pintura através de Guignard, entre 1957 e 1960, em Belo Horizonte.

Estudou com Edgar Walter e Ângelo Marzano e entre1989 e 1990 fez uma viagem a Europa, a fim de aprimorar-se tecnicamente, tendo percorrido a Itália, Holanda, Portugal, Espanha e França.

De volta ao Brasil, começou a ensinar pintura em escolas de arte de São Paulo.

Suas telas, quase sempre paisagens, transmitem algo mais do que a simples reprodução da natureza, elas imprimem uma visão tipicamente rural e bucólica, lírica e ingênua. São uma visão poética da paisagem brasileira, capazes de captar com delicadeza tanto todas as primeiras luzes da manhã como as últimas claridades do dia.

Francisco Calixto

2008-11-19T08:29:00.000-08:00

Francisco Calixto de Jesus nasceu na cidade de São Paulo em 1936 e é bisneto do consagrado pintor brasileiro Benedito Calixto de Jesus. Iniciou sua carreira artística muito jovem por influência do contato, desde criança, com os quadros de seu bisavô e com a convivência familiar dos artistas que o educaram, principalmente pelas mãos de seu avô João Pedro e de seu tio João Calixto.

Trabalhou a partir de 1958 como desenhista autodidata, ilustrador e fotógrafo na área de publicidade até o encontro com a pintura a óleo, em 1987, em aulas no atelier dos professores Gilberto Geraldo e Salvador Rodrigues Jr. Onde se dedicou à pintura de flores e naturezas mortas. Posteriormente enveredou pelas paisagens até se dedicar exclusivamente às marinhas, onde seu conhecimento na área de fotografia ajustou-se à pintura na concepção de panorâmicas e ângulos visuais de especial beleza.

Expôs em diversos salões recebendo honrarias e premiações entre elas menções honrosas, medalhas de bronze, prata, ouro e prêmios especiais. Participou nos últimos anos como membro de júri e premiações em salões da Associação Paulista de Belas Artes de São Paulo e como convidado nas exposições da Sociarte e da Chapel Art Show.

Foi selecionado para as recentes exposições do Salão Paulista de Belas Artes e atualmente leciona em seu atelier, participando também do acervo de colecionadores no Brasil e exterior e das galerias e salões oficiais na cidade de São Paulo.

Vincenzo Cencin

2008-11-19T07:59:00.000-08:00

O grande mestre Vincenzo Cencin nasceu em Veneza, na Itália, em 1925. Lá, pintou seu primeiro quadro, em 1942, um ano antes de se apresentar para combater os fascistas na 2a. Guerra Mundial. Foi feito prisioneiro dos alemães em 1944 e, quando acaba a guerra, em 1945, decide viajar para o Brasil.Fixa residência em São Paulo, em 1949. Em 1980, tem a oportunidade de dedicar-se somente à pintura, abrindo atelier em São Paulo e em 1981, inaugura a Galeria Velha Europa, em São Paulo.

Washington Maguetas

2008-11-19T07:00:00.000-08:00

Washington Maguetas é um artista plástico brasileiro residente em Taquaritinga, pequena cidade no interior do Estado de São Paulo, que possui seu atelier instalado em um ambiente artistico cercado por belas paisagens, lagos, cascatas onde emana muita paz de espírito, que o artista aplica em suas obras de arte.

Washington Maguetas é criador do Trimaismo, escola que usa 3 ou mais recursos tecnicos sobre suporte convencionais tela ou painel, O visual é acompanhado de uma poesia de autores variados, mas sempre relativos às obras alem do não compromisso com escolas já existentes.

Sua obra é revelada através de delicadas pinturas que retratam com grande sensibilidade as paisagens tipicamente brasileiras, naturezas-mortas

, retratos e interiores.

Tem obras espalhadas em inúmeros países como Alemanha, Argentina, Bélgica, Estados Unidos, França, Inglaterra...